La voz de Juan
d’Ors nos reserva
siempre –se ha
dicho- “un margen
de sorpresa y
sugestión” ... En
sus arreglos, sus
cuerdas vocales
desnudan y visten
(con gran
intuición) las
canciones ajenas
o recrean con
resonancias
instrumentales 36
piezas propias.
Podrás detenerte
aquí en su actual
espectáculo,
TIEMPOS, con
rúbricas de culto
donde una misma
canción es
diseccionada en
tres fases
diversas.

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NOTICIAS

.Juan d’Ors ficha a DONATO GOYENECHE  >www.rollproductions.com

La manera de trabajar de Juan d’Ors, su estilo, privilegia la expresión antes que el ritmo, el contrapunto y el eco antes que el tiempo, la libertad antes que el academicismo o la matemática. Es coherente, pues, que en su actual espectáculo la percusión sólo se insinúe. Y, sin embargo, y por idéntica razón, era fundamental que esa mínima percusión tuviera un valor simbólico (sobre todo en un concierto que precisamente se llama Tiempos). Si es cierto que solamente seis o siete canciones van acompañadas, en principio, de cajón flamenco o darbuka, también lo es que en esas mismas el ritmo y la referencia temporal debían ser concepto y referencia musical.
En Tiempos – pese a lo dicho sobre el método de Juan – hay una sensación continua de que “el reloj avanza y el corazón late”. Y, en buena lógica, estas canciones deben transmitir también la impresión de pulsión y hasta de tensión. Es más, el deseo de Juan era ir creando poco a poco unas transiciones entre canción y canción con atmósferas, más propiamente, efectos, que actuaran de nexo de unión, literario y dramático, sí, pero también galopante y rítmico.
La razonable conclusión a estas necesidades fue conseguir fichar a un percusionista que se uniera a la banda que ejecuta Tiempos durante algunos conciertos “solemnes” y que actuara un poco de maestro de los músicos habituales del grupo, de modelo a seguir para el resto de los bolos.
Y así será. Juan se ha ganado la complicidad de un músico navarro, pero no de uno cualquiera. Se trata de DONATO GOYENECHE, un auténtico maestro de la percusión (y también de la composición). Su primera ayuda se reflejará próximamente en el teatro del Centro Cultural Julio Cortázar del Ayuntamiento de Madrid.
La trayectoria de Donato es impresionante. A los 29 años abandonó la profesión de arquitecto técnico para dedicarse por completo a la música. En 1981 obtuvo la Cátedra y fundó enseguida el Grupo de Percusión del Conservatorio de San Sebastián, laureado con un diploma de honor en España y un primer premio en Francia. Estrenó su obra África, para coros y percusión, en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián en 1996. Esa misma composición fue presentada ocho años después en el conservatorio Brooklyn School de la universidad de Nueva York, siendo parcialmente interpretada en 2005 por la Orquesta Sinfónica de Euskadi y el Orfeón Donostiarra. Su espectáculo Noches de Marfil fue montado en 1999 y 2001 en el Parque de las Naciones y el Teatro Alcázar de Madrid respectivamente. Durante la última década, Goyeneche ha dedicado con pasión su vida – además de a los cursos de percusión digital para sus alumnos y de rítmica para profesores – a recopilar, mejorar y grabar sus más de cuarenta composiciones, y ha ofrecido conciertos como solista con múltiples instrumentos como congas, bongos, djembes, udu, darbuka, cajón flamenco…

TROVADORES DE SILENCIOS

. Juan d´Ors colabora en un libro/disco colectivo.

La editorial Calambur sacará a la venta próximamente un elegante libro/disco, que, bajo el título de TROVADORES DE SILENCIOS, intenta fusionar poesía y canción.

Embarcados en este proyecto de forma altruista, doce músicos, la mayor parte de ellos cantautores muy conocidos, ponen sus composiciones al servicio de otros tantos poetas españoles contemporáneos.

Intervienen en esta antología:

• Luis Eduardo Aute (musica a Luis Antonio de Villena y a Caballero Bonald)
• Rafa Mora y Moncho Otero (musican a José María Merino)
• Fernando Márquez (musica a Miguel Losada)
• Ángela Muro (musica a Rosa Díaz)
• Guadalupe Urbina (musica a Ilia Galán)
• Javier Bergia (musica a Javier Lostalé)
• Amancio Prada (musica a J.C.Mestre)
• Luis Felipe Barrio (musica a Esther Peñas)
• Carlos Chaouen (musica a Jesús Hilario Tundidor)
• Alejandro Martínez (musica a Barnatán)
• Juan d’Ors (musica a Jaime Siles)

 

 Juan nos comunica que ha elegido el poema titulado Himno a Venus. En este momento está trabajando en los arreglos y a finales de octubre grabará el tema en estudio junto a su actual formación.

>mp3 Boceto ‘cantado’ de Himno a Venus.

(10 de marzo 2010)
. Himno a Venus. La canción

A Juan, literalmente, le llovió del cielo. La posibilidad de colaborar en el libro/disco Trovadores de silencios, me refiero. Músico, cantante y escritor, él no se considera cantautor sin embargo, aunque parezca una paradoja. Aquí jugaba con la ventaja de que la letra de la canción le venía también “llovida”. Y nada menos que de los cielos de Jaime Siles, poeta excelso, crítico de teatro incansable.

Juan aceptó el encargo con ilusión. Su primera idea (como viejo actor que es) fue crear una música adecuada y recitar por encima de ella. Muy poco después, se dio cuenta repentinamente de que tenía que cantar antes que nada. De entre diez o quince poemas de Jaime Siles tuvo la oportunidad de elegir no quizá el mejor pero sí el que más convenía a su forma de hacer música.

Trabaja mentalmente con sus piezas durante varios años. Es habitual que Juan le dé vueltas a unas notas de forma compulsiva y obsesiva durante muchos ciclos de tiempo. Y va construyendo variantes. Y a veces no recuerda el estado primitivo de su propia melodía, los orígenes de donde partió. Fue en septiembre 2009 cuando recibió el grato encargo de musicar a Jaime Siles. Y justo en aquel momento mascaba y rumiaba una de sus antiguas melodías. Así que adaptó sus frases melódicas al soneto de Siles. Y a partir de ahí comenzó a transformarlo todo. Y a hacer también una labor de “corta-pega” con sus variaciones.

Como siempre, acudió a sus maquetas, a su multipista, a un piano armónico, y a cantar de forma bastante precisa lo que debían hacer los distintos instrumentos. (En esta página web podemos escuchar su curioso boceto). Intentó esta vez que el componente melódico primara sobre todo lo demás, sin adornos superfluos. Una producción sencilla, un sonido desnudo, una estructura compartimentada: voz-piano + franjas instrumentales sin piano y con bajo. Y los solos impresionantes del clarinete y el saxo de Costanzo, la española de Tomás y otros solos de los que luego hablaremos … que demuestran que Juan piensa más como compositor que como cantante (siendo un cantante extraordinario).

“Traté sin embargo de hacer una canción sencilla, muy sencilla incluso. Y, sobre todo, puesta al servicio de una letra. Estructuralmente es así, evidentemente. Sigo paso a paso la propuesta de Siles. Y también, la mayor parte de las veces, las imágenes un poco decadentes que utiliza el poeta, aunque sea por contraste. Me permito además hacer cesuras y puntos y aparte, aprovechando la asimetría del género soneto, y me convierto en acróbata cuando me falta texto”…

Los encargados de la armonía (Adán Latonda al piano y el invitado Albert Anguela, al bajo eléctrico) sin duda se dieron cuenta de inmediato de que Juan seguía una armonización clásica, en concreto heredada de ese “colchón” del Barroco que es el Canon de Pachelbel. Daniel García, su estupendo violinista, se encargó de transcribir las ideas de Juan a partitura, dotándolas de temporalidad y respiración, de los compases precisos. Donato Goyeneche se vino desde Donosti a grabar el cajón flamenco. Y Jordi Pinyol, realmente implicado en el proyecto, hizo compatibles con sus cuerdas metálicas las intuiciones que Juan insinuaba con su voz. Resultado: ese solo conmovedor que se cierra en un fundido, sugiriéndonos que el tema no acabará nunca. Solo, por cierto, grabado con un fondo del monasterio de San Lorenzo de El Escorial absolutamente nevado.

Por el camino Juan encontró algún que otro calvario, lo que él llama “la burocratización de la música”: las frías matemáticas, por un lado, y el sonido estándar, por otro.
No importa. Esquivando los dos molinos de viento, acabó triunfando con un “sonido Juan d’Ors” perfectamente identificable, desnudo y preciso. No hace falta más. Joaquín Rebollo, técnico de los Estudios AAA, le ayudó a conseguir la calidez deseada.

Es ésta una canción que resume un poco la música misma y que dura 6 gloriosos minutos pero que bien podría haber durado 60, porque tiene desarrollo y concepto para ello. Una canción que parte de la música clásica pero transita familiarmente por la canción popular, el jazz, el cabaret, el pop-rock y el gospel (la voz de Juan pasa del “caramelo” al “castigo”). Los mitos de siempre de Juan (Waits, Llach, Veloso) están de alguna forma aquí presentes. Pero también hay sombras inesperadas (Elvis Costello, Albert Pla …). Y guitarristas soberbios como George Harrison o Carlos Santana podrían haber tocado el famoso final.

Del lirismo al pop; de lo bucólico-pastoril hacia lo cortesano; del humor hasta la emoción (y entre la melancolía y el arrebato), Juan juega con nuestra sensibilidad. Después de la audición, no podemos por menos que soltar el aire ante el “subidón” que nos provoca pasar del silbido desabrigado y ensimismado con que se inicia la canción al crescendo con el que termina. Si hay que buscarle etiqueta a la pieza, yo pondría, sí, dos: pop elegante y canción única.

L. Lacasa

Notas:
. Próximamente, videoclip en www.myspace.com/juandors
. Carátula e info de TROVADORES DE SILENCIOS en >Discografía
. El libro/disco con la canción HIMNO A VENUS, de Juan d’Ors, a la venta ya. Ref. Trovadores de silencios (Calambur).

 

(14 de marzo 2010)
. Himno a Venus. El videoclip
(Crónica desde la distancia)

Redacto este texto con Juan a mi lado. Él quiere ser, aunque se enfade viéndome escribirlo, mi ángel tutelar (le separan de mí los años suficientes y el talento como para serlo). Y también quiere que yo sea, de alguna forma y al mismo tiempo, su alter ego, su promotor de prensa y su divulgador virtual (algo así como lo que fue –salvando todas las distancias de tiempo, espacio y maneras- Tony Barrow para sus amados Beatles). Roles que él sabe que he aceptado y seguiré aceptando con gusto, dada la admiración y la amistad que me unen a él.

Esta cercanía geográfica y metodológica espero que compense la lejanía obligada a la que Juan me ha condenado ante todo lo que conllevaba la materialización del proyecto de videoclip basado en su canción Himno a Venus. En efecto, desde el primer momento decidió que ni yo ni ningún miembro de su staff participara de cerca o de lejos en las conversaciones preliminares, en los preparativos del vídeo o en su rodaje posterior. Todo debía ceñirse al máximo a un ámbito profesional y desarrollarse en medio de un cierto secretismo. Así pues, apresuro estas líneas sin haber vivido ninguna de las secuencias de esta gran aventura, pero teniendo ahora al cantante a mi lado para que vaya comentándome con la pasión que le caracteriza los entresijos de la empresa, describiendo y reviviendo lo que yo sólo intuyo e imagino.

De entre los doce compositores que fueron elegidos para musicar a los doce poetas incluidos en la antología poética y sonora “Trovadores de silencios” sólo Juan que nos conste decidió que debía intentar una prolongación visual de su canción. Y creo ser muy consciente al utilizar la palabra “prolongación”, puesto que el vídeo no es una mera ilustración del bello poema de Siles. Ni siquiera sirve estrictamente a las atmósferas de la canción de Juan. A cada lenguaje su especificidad.

El cantante conoce desde niño ese lenguaje cinematográfico, que ama en su misterio y que tanto tiene que ver con el del cómic, arte sobre el que ha escrito. Y le divierte la gramática de ese subgénero (dicho sin ningún desprecio) que es el videoclip.
La emoción (y el vértigo) del rodaje hoy ha terminado. No así el montaje, que es, como diría Kipling, otra historia. Esperemos que esta labor de relojería que es la edición y postproducción no desmienta las enormes expectativas e ilusiones que han despertado en Juan los tres días de grabación. Para compensar el hecho de no poder gozar aún de un producto terminado, ofrecemos al internauta una cuidada selección de imágenes del rodaje obtenidas por su fotógrafo habitual, Ignacio Cerezo. E intercalamos entre las imágenes algunos detalles del guión técnico escrito por Javier Cano a partir del guión literario de Juan d’Ors, esperando que todo ello no reste magia ni suspense mitológico al acontecimiento del estreno del audiovisual.

El guión previo, por lo que he podido ver y como ya he dicho, no se ciñe ni a las variadísimas imágenes del poema que sirve de base ni a las atmósferas líricas de la música de Juan. “He escrito una historia que al mismo tiempo tiene elementos de fantasmagoría y de cotidianidad absoluta. Estos elementos contrapuestos suelen coexistir pacíficamente en los videoclips. En lugar de seguir los versos de Siles como hice en la canción, he tratado de imaginar de forma soñadora y romántica un prototipo de mujer que al mismo tiempo sea todas las mujeres del mundo: una niña, una vampiresa, la propia humanidad de la actriz, una figura del cine mudo (cosa muy elocuente en un cine musical como éste), una musa inspiradora, etc. Esa mujer tiene relación directa o indirecta con cada uno de los músicos que aparecemos en el vídeo. Es el hilo conductor de la historia. Coquetea con todos pero acaba marchándose conmigo. Hay que arreglar, claro está, con la ficción la malvada realidad”.

En sí misma, ella representa el amor (palabra que aparece en todos los versos de Siles salvo en el último, donde el poeta por fin ha personificado). Ella es el amor, o “la imagen” que tenemos de él…

Juan aprovecha su guión para construir a través de la silueta de cada uno de sus músicos una entidad propia e independiente de ellos. “Es lo mismo que en los conciertos: yo soy yo y mi música; pero ellos funcionan al tiempo como banda y como solistas. Son estupendos”. Aunque el clip acaba de forma chapliniana, por en medio ha habido muchas imágenes, algunas de ellas muy Truffaut, otras muy Buñuel, muy “subconsciente erótico”, como un terciopelo rojo, que es un poco Marilyn pero también un poco sangre… Cabe todo en el mito del eterno femenino, que es también el del eterno retorno.

Por las fotos del rodaje puedo ver que Juan ha imaginado un vídeo sincero. Parece (igual que la canción) una obra elegante, llena de buen gusto. Se ofrece de Juan una idea certera, ataviado con un híbrido de gabardina-abrigo que disimula su aire desgarbado y que le sitúa fuera del tiempo, como un ser solitario, un poco distanciado de los demás personajes y muy lejano de ese Madrid urbano y lleno de ordenadores que aparece en el vídeo. Las decadentes visiones de Siles parecen tener eco en el metro, en los andenes, en el saxo de Costanzo o la guitarra eléctrica de Jordi, en el ‘pick-up’ moviéndose en la noche (¡qué infierno debió de ser rodar esas escenas!), en la oscuridad de algunos fotogramas… Pero habrá que ver el videoclip terminado.

Pese a que Juan no me cuenta tanto como yo quisiera, puedo imaginar algunas cosas. Le estoy viendo luchar contra su entorno, que le decía que hacer un videoclip era una locura innecesaria, y una ruina económica para él, sin apoyo de discográfica alguna y desvinculado como estaba el clip del proyecto del libro/disco… Le estoy viendo también escribir con amor dos o tres versiones de guión, intentando construir imágenes exactas y precisas, estrofa a estrofa, verso a verso, y casi nota a nota, siguiendo de forma escrupulosa su propia estructura musical y sin “literaturizar” los resultados. Le estoy viendo escribirle continuos mensajes de móvil a la jefe de producción, sorteando problemas graves como la sustitución a última hora de Paloma Mozo por Ana Santos, una actriz maravillosa según me dice Juan; o utilizar dobles para uno de sus músicos, ausente en unas de sus sesiones, y otros problemas que Juan prefiere no contarme…

Le estoy viendo controlar de forma férrea y casi patriarcal todos los procesos del rodaje (como le veré hacerlo en los de la postproducción), todas las conversaciones, a todos los técnicos (abusando quizá de su “resistencia”), pendiente de todos los detalles (siendo al tiempo empresario, productor y actor), mirando los monitores de las cámaras, tratando de ser disciplinado como actor, preguntando, consultando sus papeles, riendo y llorando, sufriendo e inmensamente feliz, discutiendo con todos y al rato pidiendo disculpas y abrazando tiernamente al equipo.

“¿El equipo?”, dice Juan. “Javier Cano, el director es un ser humano extraordinario. Tiene gran capacidad para contemporizar y escuchar, una gran sensibilidad. Sabe improvisar y para él nada es trágico ni imposible, quizá porque es consciente de las realidades mucho más que yo. Sin haber visto prácticamente más que algunos segundos de planos-secuencia de sus obras anteriores, le contraté en cuanto me enteré de que había rodado un documental sobre el mundo del circo y su entorno social. El lado femenino que todos los hombres tenemos en él es muy tierno. Y oculta un humor muy secreto. Los dos estamos en universos diferentes pero muy compatibles. Desde el principio entendió mi persona, mi canción y la historia que cuento. Posee gran instinto para rodar, y lo veremos en el clip. Carmen Correa, su ayudante de dirección, es sobre todo una mujer inteligente. Supo explicar perfectamente a Adán, mi pianista, qué era lo previo a sus acciones para conseguir que éstas fueran orgánicas. Y a mí me contó cómo era yo y cómo era mi película mejor de lo que hubiera hecho yo mismo. Tiene mucha capacidad de convicción (más que la de Javier o la mía): logró eliminar casi todos los ingredientes ibérico-taurinos que había en la secuencia del piano. (Las fotos del making-of de Ignacio Cerezo recogen algunas ideas “censuradas” por ella). Respecto a Arancha Merchán, operadora de cámara, es muy espiritual y al tiempo muy del gremio. Tiene una forma de rodar más “humana” que la de Javier, que es más puramente visual. A su pareja, Ricardo, iluminador, le adorna un gran espíritu de camaradería, y nos sacó de más de un apuro. Y en cuanto a María Fernández, encargada de maquillaje, peluquería y vestuario, estoy convencido de que es una artista. Es muy funcional y creo que a ella se le deberá una buena parte de la dignidad del videoclip. Había que verla transformando de la cabeza a los pies, secuencia a secuencia, a la paciente actriz Ana Santos, configurando muchos tipos de mujer al tiempo que siempre la misma. De Ana, la más profesional de todos nosotros, no olvidaré jamás su sonrisa, en medio del frío y del agotamiento durante la larga jornada del viernes, en la que estuvimos rodando hasta las dos de la madrugada… Y Mar Rojo, que hizo la producción y que tuvo que barajar muchas hipótesis de trabajo y no pocas variables, es una excelente interlocutora. Su dialéctica con Javier Cano es perfecta: entre los dos constituyen el ying y el yang de mi película”.

L. L.